Dadà, oltre il recinto: da Viscera alle fiabe oscure di donna Ruvia

Il 14 e 15 novembre porta al Trianon Viviani un’opera teatro-musicale nella quale la figura della strega diventa il luogo di una riflessione sull’identità, l’esclusione e la libertà.

C’è un momento, nella crescita di un artista, in cui il linguaggio che ne ha determinato il riconoscimento comincia a diventare insufficiente per contenerne le possibilità. È una fase delicata, perché comporta il rischio di perdere una riconoscibilità acquisita e, nello stesso tempo, la necessità di cercare altrove una forma più aderente alla propria sensibilità. Nel percorso di Dadà questo passaggio sembra essere arrivato con Viscera, il disco pubblicato lo scorso ottobre, e trova una nuova espressione in Le fiabe di donna Ruvia, l’opera teatro-musicale che l’artista presenterà al Trianon Viviani il 14 e 15 novembre.

Chi ha seguito il suo lavoro fin dagli esordi conosce il ruolo che la tradizione napoletana ha avuto nella costruzione del suo immaginario. Con Core in fabula, pubblicato nel 2025, Dadà aveva elaborato un universo nel quale la fiaba, il patrimonio popolare e la lingua partenopea incontravano l’elettronica e una scrittura musicale contemporanea. Un’identità riconoscibile, che aveva trovato anche nella dimensione visiva una delle proprie caratteristiche più evidenti. Quel lavoro aveva contribuito a collocarla in un territorio artistico preciso, nel quale il rapporto con Napoli e con le sue stratificazioni culturali costituiva una componente essenziale.

Con Viscera la prospettiva si allarga. La matrice originaria rimane, ma la ricerca sembra sottrarsi progressivamente a una definizione troppo stretta, cercando una profondità espressiva che guarda anche ad atmosfere e sensibilità di respiro mitteleuropeo. È un cambiamento che riguarda la concezione stessa del progetto musicale. L’immaginario fiabesco perde parte della sua riconoscibilità folklorica e si addentra in una dimensione più solitaria, oscura e introspettiva. La crescita di Dadà passa anche da questa disponibilità a mettere in discussione il personaggio artistico che il pubblico ha imparato a riconoscere.

Il cambiamento si avverte anche nella sua presenza visiva. Il taglio dei capelli e il nuovo look accompagnano una figura scenica diversa, più essenziale e decisa, nella quale la componente performativa assume un rilievo crescente. Dadà è una performer e la sua ricerca coinvolge la costruzione dell’immagine, il rapporto con il corpo e la capacità di trasformare un universo musicale in una presenza scenica.

Viscera, la fiaba dentro le ferite

Il titolo dell’album suggerisce già la direzione del viaggio. Viscera porta il racconto dentro una dimensione intima, nella quale le immagini fiabesche diventano strumenti per affrontare esperienze personali, delusioni, relazioni perdute e ferite che non hanno ancora trovato una composizione. Dadà descrive il passaggio dalla «fiaba del villaggio» alla «fiaba oscura e solitaria». Una trasformazione che modifica il rapporto con il racconto e con il suo destinatario.

Le fiabe, tradizionalmente associate all’infanzia e alla trasmissione di un patrimonio narrativo collettivo, diventano qui un mezzo per risvegliare l’ascoltatore, portarlo davanti alle proprie emozioni e renderlo consapevole di ciò che spesso preferisce nascondere. Il dolore, la rabbia e la disillusione acquistano una funzione nuova. Sono sentimenti che la convenzione sociale tende a giudicare o a reprimere, mentre nell’universo di Viscera diventano strumenti di riconoscimento e di autodifesa.

La pecora nera, raffigurata nell’illustrazione di copertina firmata da El Nigro, restituisce visivamente questa condizione. Separarsi dal gregge significa rinunciare a una parte delle sicurezze offerte dall’appartenenza, accettando anche il conflitto che deriva dal sottrarsi alle aspettative collettive. La rabbia viene indicata dall’artista come una forma di protezione. «Rabbia sacra» capace di custodire la libertà individuale e di alimentare un processo di rinascita.

Donna Ruvia, la strega fuori dal villaggio

È dentro questo orizzonte che nasce Le fiabe di donna Ruvia, l’opera teatro-musicale scritta, musicata e diretta dalla stessa Dadà. Il progetto porta per la prima volta dal vivo l’universo fiabesco e folk-horror dell’artista, attraverso una costruzione che mette insieme brani inediti, attori, musicisti e una nuova compagnia di artisti. Una parte della colonna sonora è tratta proprio da Viscera, stabilendo un collegamento diretto fra il disco e la nuova produzione teatrale.

Al centro dello spettacolo si trova una figura che appartiene da tempo all’immaginario popolare: la strega. Nelle Fiabe di donna Ruvia viene sottratta alla rappresentazione tradizionale che l’ha consegnata al racconto collettivo come creatura tenebrosa, austera e minacciosa. Dadà ne propone una rilettura, restituendole una natura complessa, contraddittoria e profondamente umana. Donna Ruvia diventa così una figura attraverso la quale interrogare il giudizio, il senso di colpa, l’esclusione e il prezzo che talvolta si paga per essere accolti all’interno di una comunità.

La trasposizione assume una profondità particolare proprio perché non si limita a rovesciare lo stereotipo della strega cattiva. Ne indaga le ragioni, la solitudine e soprattutto il rapporto con un mondo che pretende di stabilire quale comportamento sia accettabile e quale identità meriti di essere riconosciuta. Il villaggio è uno spazio ambiguo. Luogo di appartenenza e protezione per alcuni, ambiente ostile per chi non riesce o non vuole conformarsi.

«Il villaggio non è sempre un posto per tutti», recita il testo di presentazione dello spettacolo. In questa frase si concentra una questione che attraversa anche Viscera. La rinuncia a una parte di sé per ottenere l’accettazione degli altri. La donna che si trova ai margini del giudizio collettivo è quella che ha imparato a trattenere il proprio ruggito. Fino a dimenticare la propria voce. La fiaba le restituisce la possibilità di parlare.

Mela Wela

È soprattutto attraverso Mela Wela che questa figura acquista una fisionomia concreta. La maga gitana, chiamata a leggere le mani e a predire il futuro, si rivela progressivamente una donna che conosce bene il dolore di chi ha affidato la propria vita a un amore sbagliato. La sua voce oscilla fra invettiva, confessione e consiglio, mentre il linguaggio napoletano restituisce alla narrazione una fisicità che non cerca attenuanti.

«O so paccheri o so bbaci», canta Dadà. Una frase apparentemente giocosa, nella quale si condensa l’ambiguità di relazioni in cui la sofferenza viene scambiata per una forma d’amore. Il racconto si fa più duro quando la protagonista riconosce di essersi abituata a stare al proprio posto, sempre un passo indietro, fino al momento in cui decide di interrompere quella consuetudine. «E invece mo m’aggio scucciat’».

La ribellione nasce dall’esaurimento della sopportazione, dalla consapevolezza che non si può continuare a regalare amore a chi non sa riconoscerlo. La conclusione della canzone, tuttavia, evita la semplice celebrazione dell’invulnerabilità. La maga invita Nennella a non confondere la forza con l’obbligo di mostrarsi sempre forti: «Nun fare sempre ‘a tosta e ‘a forte». Ciascuno possiede le proprie fragilità e riconoscerle diventa parte del percorso di emancipazione.

La «faccia da strega» assume così un significato diverso. Diventa una difesa, una maschera necessaria per proteggere ciò che resta vulnerabile. Il femminile si sottrae tanto all’idealizzazione quanto alla condanna. La strega non deve essere redenta per diventare accettabile, né trasformata in una figura esemplare. Può essere contraddittoria, aspra, ironica, ferita e persino scomoda.

Rimane, però, una tensione che rende più articolato il discorso di Dadà. Nei versi che accompagnano la presentazione dello spettacolo compare il desiderio di avvicinarsi al cuore di qualcun altro, «pe’ nun sta sulo». L’ultima frase, «L’amore è un virus che penetra l’individualismo», introduce una contraddizione interessante: la libertà conquistata attraverso la separazione deve ancora misurarsi con il bisogno umano di relazione. La difesa di sé non cancella il desiderio di essere amati; semmai, stabilisce le condizioni perché l’amore non diventi un’altra forma di sopraffazione.

Una ricerca ancora in movimento

Gaia Eleonora Cipollaro, nata a Napoli nel 1995, si è fatta conoscere dal grande pubblico con la partecipazione a X Factor nel 2022. Nel 2023 ha pubblicato l’EP Mammarella, seguito da un’intensa attività dal vivo e dai riconoscimenti del Premio Carosone e del Premio San Gennaro World. Nel 2024 ha partecipato al progetto Smorfiosa, dedicato ai numeri della Smorfia napoletana. 2025 è arrivato Core in fabula, seguito dall’apertura dei concerti italiani dei Massive Attack e da un lungo tour. Nel giugno 2026 il progetto si è ulteriormente ampliato con Core in fabula – Il Fabulario, diventato anche un audiolibro e un libro illustrato con disegni della stessa artista.

Con Viscera e Le fiabe di donna Ruvia si apre adesso un capitolo differente. La musica si allontana da una collocazione immediatamente riconoscibile, mentre il teatro offre alla ricerca di Dadà uno spazio nel quale far convivere scrittura, immagine, interpretazione e narrazione. Sarà interessante seguirne gli sviluppi, soprattutto nella dimensione dal vivo, dove la componente musicale e quella teatrale potranno misurarsi con uno spazio espressivo più complesso.

La fiaba resta, ma il suo destinatario è cambiato. Come afferma la stessa artista, non è più soltanto un modo per sognare insieme agli altri: diventa una resa dei conti, una denuncia, una catarsi per sopravvivere alle ferite. È forse in questa nuova libertà narrativa che si misura la crescita di Dadà, nella possibilità di lasciare alle spalle le definizioni più immediate e cercare una voce capace di abitare territori ancora inesplorati.